Emmanuelle Tremblay est poète, romancière et traductrice. Née au Saguenay-Lac-Saint-Jean, elle vit actuellement sur l’île de Lamèque. Depuis 2013, sa pratique d’écriture interroge la violence de l’arrachement à soi par un regard féministe porté sur les origines et le désir d’appartenir au monde.
Aux Éditions du Noroît, elle fait paraître une traduction des essais du poète mexicain Pedro Serrano : Pare-Chocs. Essais d’autodéfense poétique (2020). Troisième lauréate du prix de poésie Geneviève-Amyot 2020, avec la suite « L’enfance à cinq cennes », elle a publié deux recueils : Mesurer les combles (2015) et Nous le lac (2022). Ce dernier livre offre à lire un récit autobiographique sur le devenir femme, d’un espace prénatal à l’âge adulte, avec une attention particulière portée aux périodes de l’enfance et de l’adolescence. Il a été récompensé par le Prix du Salon du livre du Saguenay-Lac-Saint-Jean (catégorie poésie / théâtre).
L’école a été malheureusement pour moi un désert poétique. J’aimerais y retourner aujourd’hui pour apprendre un poème par cœur. Mais il y a tout de même eu un éclat : « Déjeuner du matin », de Jacques Prévert. Un miroir pour ma solitude d’adolescente.
Après le cégep, j’ai découvert Hélène Monette qui récitait des poèmes dans les nuits montréalaises. Sur les bancs de l’université, Gauvreau. Puis j’ai été captivée par les poèmes de Borges, Neruda et Mutis. Je voulais vivre ailleurs.
J’ai longtemps fait le geste de gribouiller dans des carnets. J’écrivais des choses illisibles, en réalité. Ce qui m’apparaît aujourd’hui correspondre à une quête d’espace propre, dans une langue autre, à venir. Ce n’est qu’en plongeant dans l’écriture de Nous le lac que j’ai trouvé une sorte d’ancrage dans une texture de mots, peut-être parce que ce livre m’a ramenée à ma langue maternelle, à la langue perdue de l’enfance, de ma région d’origine. Je ne sais pas. Bref, c’est plutôt tardivement, dans la quarantaine, que la poésie m’est apparue comme un possible dont j’ai fait le choix.
La poésie permet de rendre présent ce qui nous manque ou de nous rappeler à ce qui, en nous, est fragile, voire est menacé. Les poètes sont donc, pour moi, des bouées de sauvetage. Sans eux, sans elles, on coule.
En choisir un seul m’est impossible. Je tricherai donc. En plus de ceux de Marie Uguay et d’Hélène Monette (parce que ces poètes sont mes deux essentielles), j’aimerais réciter « la spelling bee » de Georgette Leblanc. Pour la vie qui grouille dans la langue et le fun que ça donne.
Noémie Pomerleau-Cloutier est originaire de la Côte-Nord et a quitté Montréal pour s'établir à Rimouski à la fin 2023. Elle tente de vivre au rythme de l'estuaire du St-Laurent. Elle est autrice, médiatrice culturelle, intervenante, formatrice et brodeuse. Elle a publié deux recueils de poésie à La Peuplade, Brasser le varech (2017) qui traite du deuil via le vocabulaire des plantes, et La patience du lichen (2021) qui fait le lien entre territoire géographique et les histoires intimes sur la Basse-Côte-Nord au Québec. Ce dernier a été finaliste au Grand prix du livre de Montréal 2021 et a gagné le Prix de l’œuvre de la relève du CALQ à Montréal en 2022. Elle a aussi publié un recueil de poésie jeunesse (13-17 ans), Tête boule disco (2024), dans la collection brise-glace chez Boréal, qui a été en nomination au Prix littéraires du Gouverneur général - jeunesse texte 2025 et gagnant du Prix littéraire des enseignant·es de français du Québec. Elle explore notre façon d'habiter nos vies et nos territoires. Elle s'intéresse aussi aux voix peu entendues dans notre société et à la vulnérabilité. Quand elle était jeune, on la qualifiait d'enfant très (trop) sensible. C'est probablement pour cette raison qu'elle écrit.
J'ai, comme tout le monde, lu Nelligan et Rimbaud à l'école. J'aurais vraiment aimé qu'on m'enseigne la poésie autrement qu'avec ces grands classiques. J'aurais préféré qu'on me fasse découvrir Denise Desautels, Nicole Brossard, Yolande Villemaire, Gaston Miron, St-Denys Garneau... La façon dont la poésie est enseignée est SUPER importante pour développer l'intérêt des jeunes lecteur.trice.s. Je pense que vous avez de la chance, vos profs savent mieux l'enseigner que les mien.ne.s s'il.elle.s sont ici pour chercher des poètes! ;)
J'ai commencé à écrire de la poésie en 2012, durant une grosse peine d'amour. Oui, c'est cheesy, mais c'est la réalité.
Je commence tout juste à me considérer véritablement poète, avec les prix remportés pour La patience du lichen. Mais je ne crois pas que les prix font les poètes, c'est plus un état d'esprit dans lequel on se met pour appréhender la vie.
Les poètes ont comme mission de révéler la beauté, de la décortiquer, de la détruire pour la reconstruire. Pour moi, être poète, c'est naviguer l'existence avec une lentille spéciale, celle qui fait voir autrement et qui révèle des choses qui ne sont pas encore dites.
Les trois poèmes sur ce site sont inspirés de personnes rencontrées en Basse-Côte-Nord pour l'écriture de La patience du lichen. Ce recueil, c'est plus de 120 personnes rencontrées dans les 15 villages isolés de la Basse-Côte-Nord du Québec, de Kegaska à Blanc-Sablon. C'est le plus beau projet de ma vie!
Ce serait « J'ai voulu avaler le soleil... » d'Olivia Tapiero. J'aime beaucoup « respire » de Katherena Vermette aussi.
Véronique Grenier enseigne la philosophie au collégial, depuis 2009. Elle est l’autrice, aux Éditions de Ta Mère, des recueils de poésie Carnet de parc (2019) et Chenous (2017) et du récit Hiroshimoi (2016), paru aussi en Suisse chez Paulette éditrice, en novembre 2017. Elle a publié deux recueils de poésie jeunesse à La courte échelle, Colle-moi (2020) et Petites douceurs (2025) et un essai, À boutte: une exploration de nos fatigues ordinaires, chez Atelier 10 (2022). Elle a également collaboré à quelques collectifs (Sous la ceinture : unis pour vaincre la culture du viol, Québec Amérique ; Libérer la colère, Remue-Ménage ; Avec pas une cenne, Québec Amérique; Ce qu'un jeune mari devrait savoir, Marchand de feuilles), aux revues Art Le Sabord, Les Écrits, XYZ. La revue de la nouvelle, Jet d’encre et Exit, à la pièce de théâtre Strindberg (printemps 2019, mise en scène de Luce Pelletier) et à la section « Idées » du jounal Le Devoir (2020-2021). Chroniqueuse — notamment à titre de « philosophe de circonstance » à l’émission Et si on se faisait du bien, ICI Radio-Canada, été 2018 —, blogueuse (Les p’tits pis moé), conférencière, elle a aussi été porte-parole de la campagne provinciale « Sans oui, c’est non ! » pour contrer les violences à caractère sexuel (2015-2018). Elle a été lauréate du Grand Prix du livre de la ville de Sherbrooke en 2020 (volet création), a reçu le mérite estrien en janvier 2018, a été lauréate du prix Jean-Claude-Simard 2017 de la Société de philosophie du Québec et récipiendaire du prix « Coup de cœur » du Conseil de la culture de l’Estrie en 2015.
Oui, c’est un genre qui m’a attirée assez tôt. Une de mes tantes chez qui j’allais souvent avait le recueil d’Émile Nelligan et je devais avoir 9 ou 10 ans lorsque j’ai commencé à le lire et le relire. Le « Vaisseau d’or » m’émouvait beaucoup, tellement que je l’ai mémorisé. Je peux encore le réciter, aujourd’hui. En fait, dès que j’entends un « ce fut » — ce qui n’a pas chose si fréquente —, tout le poème défile dans ma tête. Après cette « rencontre », ça a déboulé : Rimbaud, Baudelaire, Miron, Saint-Denys Garneau, Hölderlin, Rilke, Dickinson, Plath. Je suis passée au travers de la section poésie de la bibliothèque municipale de ma ville natale, puis de celle de mon école secondaire.
Au début du secondaire, je crois. J’ai eu la chance d’avoir des enseignant·es qui m’ont poussée et dirigée très tôt dans mes exercices d’écriture, et ils-elles l’ont fait sans complaisance, avec une certaine sévérité, je dirais, même.
Je ne sais même pas si je me considère pleinement poète. C’est un mot si chargé, j’ai l’impression que je dois le gagner, le mériter, et ce n’est pas encore fait.
Si la question souhaite qualifier la valeur de ce travail, je réponds ceci : une nécessité puisque la poésie, c’est un peu le grand respire, le grand souffle de la littérature. Si la question réfère plutôt à la manière dont le travail se fait, je réponds plutôt cela : du découpage, du ciselage, du jaillissement de mots.
Certains souhaits que j’ai pu avoir suite à la séparation de mes parents lorsque j’avais dix ans. Un peu ceux de mes propres enfants, également.
Vivre le plus près possible des deux. Atténuer la distance. Avoir un espace à soi duquel on n’a pas à bouger, sans arrêt.
« Les poètes boivent des martinis » de Carole David et tiré du recueil Manuel poétique à l’intention des jeunes filles paru aux Herbes rouges.
Je voudrais mémoriser tout le recueil.
Kyla Jamieson was born and raised in Squamish and North Vancouver. Her debut poetry collection, Body Count (Nightwood Editions 2020), wove the disparate experiences of a brain injury, modelling in New York City, and studying creative writing in Vancouver into a text that was named a CBC Best Poetry Book of 2020 and received praise for its candour, humour, and complexity.
She earned her BFA and MFA in Creative Writing from the University of British Columbia and has served as a literary editor of both poetry and prose in roles with SAD Mag and PRISM international. Guided by her belief in the universality of creativity, her cultural work centres self-expression, interdependence, and embodiment. She was the Vancouver Public Library’s 2024 Writer in Residence and is passionate about supporting emerging writers. Find her at kylajamieson.com or in the ocean.
The first poetry collection I owned was Miracle Fair by Wisława Szymborska. I found it at a bookstore in Hong Kong when I was fourteen or fifteen, during my first summer working abroad as an international fashion model. Her language was simple but philosophical, abstract and intellectual. I was a young woman trying to make sense of myself and my place in the world, with a head full of ideals and questions. Szymborska’s writing showed me poetry could be a place for ideas and inquiry. My favorite poem of hers for many years was “Children of Our Era.” “What you say has a resonance; / what you are silent about is telling.”
Another poem I loved was “If” by Rudyard Kipling. I remember falling in love with it when a classmate in my International Baccalaureate English class recited the poem to us. It’s an epistolary poem addressed to the speaker’s son, framed as advice on how to “become a Man”—but its directives didn’t feel gendered to me. The poem enunciates the merits of integrity, nuance, courage, resilience, and character. While I question the individualism of this text now, it was clarifying to encounter many of my values in a poetic text as a young student. I think this was one of the first epistolary poems I studied, where the speaker addresses a specific recipient, and this is one of the forms I continue to reach for the most in my own writing.
I first started writing poetry when I was twelve or thirteen years old. The first poem I wrote had something to do with weather and perspective—it was about the subjectivity of human experience.
At that time, I didn’t have many examples of the poetry a young woman could create. In high school, I read “For Anne Gregory,” W.B. Yeats’ poem about a young woman who “only God” could love for who she was, rather than for her beauty. But I didn’t read poems by girls like Anne Gregory—in literature, I was only encountering young women through a male perspective. In my early writing, I gravitated towards big emotions and pain points, somehow thinking that suffering was the only thing that could render a young woman’s life interesting to readers.
It wasn’t until I started publishing poems, around the time I started my MFA in Creative Writing, that I began to think of myself as a poet.
I always say that life is my primary material, not language—part of my job as a poet is to live. Joyfully and meaningfully. To learn to lie to myself less. To travel to the edge of understanding and make it beautiful, so uncertainty becomes a place people are willing to linger. To translate emotion or embodied knowledge into language. To lay down paths of text other people can follow, through feeling, back to themselves. To remain human, and remain loyal to our shared humanity. To ask questions I may never answer. To find new ways to communicate what I don’t yet have the language for, and to witness both the absence and possibility of that language.
I wrote this poem, “In Exile I Draw the Tower Card,” about six months after experiencing a concussion that completely dismantled my life. I had a pink post-it note on my wall at that time, where I had written: “WRITE ABOUT YOUR LIFE RN.”
I hadn’t read any poems about brain injuries or the way they changed the texture of your reality. In many ways, it felt like nothing was happening in my world, because I was so constrained in my function and abilities—but poetry doesn’t need plot. Sometimes it’s enough to say: “I’m lost, and this is what it feels like.”
Jorie Graham’s “On the Last Day.” A poem full of inquiries, where periods replace question marks: “How do I / find sufficient // ignorance. How do I // not summarize / anything.” The poem presents ignorance as something worth searching for, surrendering thought, protection, and the self to turn towards dreams, desires, and needs.
The poem ends with a bold, declarative statement, asserting our human limitations: “No one can tell the whole story.” One of my favourite things about poetry is the way it allows us to make such statements, without proof or explanation—and often without context. I would love to know this poem better, to carry it with me.
Greg Santos is a poet, editor, and educator. He is the author of Ghost Face (2020) and several other collections, including Blackbirds (2018), Rabbit Punch! (2014), and The Emperor's Sofa (2010). His newest poetry chapbook is Octopada (2026). His work has also been featured in a range of Canadian and international periodicals. Greg is the Editor-in-Chief of the Quebec Writers' Federation's online literary magazine, carte blanche. Santos's poetry has been described by poet Stuart Ross as "intimate, dark, enigmatic, playful, and surreal." He is a Montreal-born Cambodian adoptee with Portuguese and Spanish heritage. His writing is known for touching on popular culture, identity, migration, adoption, parenthood, family, love, imagination, and the power of hope. He regularly teaches creative writing workshops in partnership with diverse and at-risk communities. He lives in Tio'tia:ke/Montréal with his family.
I actually didn't read much poetry when I was in high school, although I do recall reading Emily Dickinson and e.e. cummings and being both intrigued and mystified by their words. Emily Dickinson's poem "I'm Nobody! Who are you?" really resonated with me before I really started to dive into poetry. I also loved the sound and strangeness of e.e. cummings' poem "anyone lived in a pretty how town." I rewrote cumming's poem and turned it into a song that I wrote a tune for on my guitar.
Before I really started to try to study and understand poetry, my first poems were lyrics for songs that I wrote.
Around 2007, I was in graduate school in the US and I received a phone call. I was invited to be a juror for a poetry award. I hadn't published a book yet, maybe some book reviews, pieces in zines, school publications, and a handful of literary journals, but when I answered the phone, I was asked, "Is this Greg Santos? Greg Santos the poet?" I was being recognized by my peers as someone who wrote, wrote about, and read poetry passionately. I was completely flabbergasted at being called a poet in any official sort of way. After that, I figured I might as well just continue putting in the work to go along with the title.
For me, a poet's job is to voice that which cannot be shared through regular speech. It's being able to capture something elusive using language as an art form.
I would want to memorize "Introduction to Poetry" by Billy Collins. I regularly teach poetry workshops and I find the poem a good read to get folks to shake their preconceived notions on how we might have been taught to read poetry in school. Say, as if it's a puzzle meant to be solved, rather than something that you can enjoy on its own merits. I find Collins' poem funny and charming.
Alison Smith is the author of three books of poetry and one chapbook from Gaspereau Press. Her most recent collection, This Kind of Thinking Does No Good, was awarded the 2019 J.M. Abraham Award for Atlantic Poetry and shortlisted for the 2020 Nova Scotia Masterworks Arts Award. She has written for radio, the stage, and has taught poetry workshops in prison, schools and other community settings. Alison's poetry is by turns confessional, surreal, and gothic, confronting the realities of contemporary rural life with humour and courage. Alison also makes analog collages.
Our family moved several times when I was a teenager and I spent a lot of time on my own, reading and writing poems. In the early days of one of our moves I memorized the entirety of “The Lady of Shallot” by Alfred Lord Tennyson. Also, “Do Not Go Gentle Into that Good Night” by Dylan Thomas. I loved the language and drama in both poems. In grade ten, I liked Michael Ondaatje’s The Collected Works of Billy the Kid so much that I stole the book from my school library. The librarian found out and very kindly offered to take another book as a trade. I also was very devoted to Alden Nowlan as a young reader. I loved how plainly he wrote about growing up poor in rural Nova Scotia.
My first memory of a specific poem I wrote has nothing to do with its content: I was watching it burn because my brother was waving it around and I was so embarrassed I grabbed it and threw it in the wood stove. I was in elementary school then. I probably started thinking of myself as a poet when I was a teenager. My junior high had a subject fair, where you could present any kind of project to the public and I made a book of original poems with collages. I remember feeling so much joy when I was putting it together. A bit later, when I was about 16, I used to get the 'dry' stamp and read my poems at the coffee house on campus at Acadia University. I was quite a shy person, but I think I knew I was a poet when I realized what a thrill it was to receive a direct response from an audience.
For me, the poet’s job is to observe and translate the world more keenly. The way that the poet uses language should help the reader to think differently and tell the truth in ways that we cannot in our day-to-day lives. Most of all, I think that it’s the poet’s job to bring the reader to the edge of unknowability that exists in everyone. As much as poetry can help us understand each other better, there is also a mystery that the poet should help us glimpse and respect.
I would memorize "That feeling of my soul getting yanked" by Kim Hyesoon. The images in her work are so startling and the notes of repetition would be interesting to work with. And what a last line!